sandy_cat: (Default)
Когда умирает то или другое лицо духовное и у него остается семейство, - куда ему деться? Хоть с голоду умирай!.. Дом (если он церковный), земля, сады, луга, родное пепелище - все должно перейти преемнику. Русские священники, диаконы, причетники - представители православного пролетариата... У них нет собственности... До поступления на место всякий поп наш гладен и хладен, при поступлении приход его кормит; умирает он всегда с тяжелой мыслью, что его сыновья и дочери пойдут по миру. Вот это-то пролетариатство духовенства, безземельность, необеспеченность извратили всю его жизнь. Чтобы не дать умереть с голоду осиротевшим семействам духовных лиц, решились пожертвовать одним из высочайших учреждений человеческих - браком. Места закрепляют, - техническое, заметьте, чуть не официальное выражение. По смерти главы семейства место его остается за тем, кто согласится взять замуж его дочь либо родственницу. Кандидатам на места объявляется об открывшейся вакансии, со взятием такой-то.

Н.Г. Помяловский "Очерки бурсы"


Картины про несчастных невест в русском искусстве

Непонятные для нас картины

Очень любопытные статьи, а в конце второй еще и рассказ о том, что же на самом деле тут происходит:



Николай Неврев "Смотрины", 1888 г.
sandy_cat: (Default)
Это важный момент, поворотный. Сохраню и сюда, чтобы не потерять в фейсбуке.

Пит Мондриан чувствовал, что может разработать живопись, способную вместить все, что мы знаем и чувствуем, в одну упрощенную систему, и тем самым погасит великие конфликты нашей жизни. Мондриана подтолкнула кровопролитная Первая мировая. Он сформулировал идеи нового искусства – неопластицизма, – между 1914 и 1918 годами, покуда грохотали пушки. Мондриану хотелось помочь обществу начать все заново, с новой стартовой позиции, когда первичным является единство, а не индивидуализм. Его целью было «выразить пластически то "общее, что присуще всем вещам, а не то, что их разъединяет".
Художник пришел к выводу, что для достижения этой цели придется свести изобразительное искусство к его первоэлементам: цвету, форме, линии и пространству. А затем ради еще большего упрощения представить элементы в самой чистой форме, ограничив выбор цвета тремя первичными – красным, синим, желтым, геометрические формы двумя – квадратом и прямоугольником, а линии использовать только прямые, горизонтальные и вертикальные, нанесенные черной краской. С таким ограниченным набором выразительных средств Мондриан рассчитывал осмыслить жизнь, гармонично уравновесив все противоборствующие силы Вселенной. Отказ от любых узнаваемых объектов тут был крайне важен: не дело искусства копировать реальную жизнь, полагал Мондриан, ведь оно – часть этой реальной жизни, так же как язык и музыка.

Мондриан стремился показать вечное движение жизни, и это ощущение, как он чувствовал, можно передать, варьируя толщину черных линий. Чем тоньше линия, рассуждал он, тем быстрее глаз ее "считывает", и наоборот; получается, ширина линии работает чем-то вроде педали газа и служит, таким образом, конечной цели – приданию картинам "динамического равновесия".
Равновесие, напряженность и равенство – это для Мондриана всё. Его творчество – политический манифест, призывающий к свободе, единству и сотрудничеству. "Настоящая свобода, – говорил он, – это не взаимное равенство, но взаимная равноценность. В искусстве формы и цвета имеют разные характеристики и положение, но они равноценны... неопластицизм утверждает справедливость, потому что равенство пластических средств в композиции показывает: каждый, несмотря на различия, может быть равным среди равных". Это знаковое заявление. Оно высвечивает огромную разницу между неопластицизмом Мондриана и абстрактным искусством Кандинского, Малевича и Татлина. Ни в одной работе голландского художника индивидуальные элементы не сливаются; они всегда самодостаточны. Нет ни наплывающих плоскостей, ни тональных переходов. Это потому, что Мондриан стремился к унификации взаимоотношений между отдельными элементами, а не к традиционному романтическому идеалу любви, когда двое соединяются в одно.


"Композиция С (№ III) с красным, желтым и синим", 1935 г.

sandy_cat: (Default)
Закончу еще одним примером, уже совсем комическим. В вышеупомянутом слове "зонтик" нет уменьшительного суффикса, исходно это нидерландское zonnedek. Но уж слишком смахивает на русский разговорный диминутив, и строгая норма изобрела ему "исходное" слово: зонт. Так складывалась практически вся наша лексика, и отсюда можно вывести постулат: любая языковая норма была когда-то оскорблением для слуха и глаза.

Отсюда
sandy_cat: (Default)
…И снова Малевич начал с картины-манифеста, чтобы заявить о рождении нового направления в искусстве. Он так и назвал свою работу: "Черный квадрат" (1915). Само название – сухое, буквальное – уже провокация: Малевич словно предлагает зрителю не искать в картине никакого дополнительного смысла: здесь ничего не увидишь, кроме того, что есть в названии и изображено на полотне. Малевич говорил, что на картине "все явления мира сведены к огромному Нулю".
Он хотел, чтобы зритель вглядывался в "Черный квадрат". Размышлял о взаимосвязи и соотношении между белым полем и черным центром, любовался текстурой краски, почувствовал невесомость одного цвета и плотность другого. Он даже надеялся, что эта напряженность внутри его ультрастатичного изображения создаст у зрителя ощущение динамизма и движения. Все это стало возможно в воображении Малевича, потому что он освободил искусство от предмета. Отныне мы свободны видеть все, что нам хочется.
"Черный квадрат" может показаться упрощением, однако Малевич предполагал нечто иное. Художник знал: пусть все отсылки к внешнему миру удалены, мозг зрителя все равно будет пытаться истолковать картину, найти в ней смысл. Но что там найдешь? Зритель поневоле вернется к первоначальному умозаключению: да нет, это просто черный квадрат на белом фоне. Разум начнет работать по замкнутой схеме, как спутниковый навигатор в поисках сигнала. Вот тут-то, надеялся Малевич, покуда сознание мечется, и появляется шанс у подсознания. Как только оно вырвется из рационалистической тюрьмы, то сразу увидит на маленьком скромном квадратном полотне всю жизнь и все мироздание.
По мнению Малевича, его черно-белая картина символизировала Землю во Вселенной, свет и тьму, жизнь и смерть. Рамка, как у всех его супрематических картин, отсутствует – как слишком жесткая и недвусмысленная граница, – благодаря чему белый фон холста сливается со стеной, создавая ощущение бесконечности. Черный квадрат как будто плывет во Вселенной, неподвластный силе тяготения, – символ упорядоченного космоса или черной дыры, которая засасывает в себя все сущее. Так или иначе, это прыжок в темноту.

Скепсис по поводу "Черного квадрата", да и всего абстрактного искусства, которое пошло по пути супрематизма, вызван тем, что Малевич перевернул с ног на голову традиционные отношения между художником и зрителем.
Исторически художник считался чем-то вроде обслуживающего персонала: живописцам и скульпторам надлежало запечатлевать, вдохновлять и создавать красоту на благо обществу и его элитам. Мы, публика, упивались своей привилегией решать, насколько удачно художник справился с задачей, изобразив церковь, собаку или папу римского. Даже когда художники восставали против Академии и шли своим путем, создавая все более непонятные картины, мы сохраняли свое превосходство. Художник по-прежнему должен был доставлять нам удовольствие или интриговать изображением знакомого нам мира. Кандинский поднял статус художника, предложив зрителю компромисс: он создавал прекрасные, яркие картины в надежде, что мы в ответ удержимся от соблазна свести цвета к известным нам предметам и позволим себе перенестись в воображаемый мир, словно слушая музыку.
Впрочем, Кандинский оставил в своих полотнах достаточно сюжетных ходов и цветовых комбинаций, чтобы дать зрителю возможность насладиться картиной, не чувствуя себя ущербным и не задаваясь вопросом: "Почему я не чувствую музыку?" Беспредметное искусство Малевича не предлагало таких уступок. Это была прямая конфронтация со зрителем, вынуждающая его, глядя на плоский черно-белый "Черный квадрат", искать там нечто большее. "Самоценное в живописном творчестве есть цвет и фактура", – заключил Малевич.
По сути, он превратил художника в шамана. А искусство – в интеллектуальную игру, правила которой устанавливает художник. Теперь главным стал человек с кистью или резцом, это он призывает зависимого и беззащитного зрителя не бояться и довериться ему. Так остается и поныне: абстрактное искусство толкает нас на риск оказаться в дураках и поверить в то, чего нет. Либо беспечно пренебречь очередным откровением, попросту испугавшись принять его на веру.


sandy_cat: (Default)
Робер Делоне, признанный основоположник орфизма, сделал свой ход – картиной, которая окажет огромное влияние на искусство будущего. "Синхронный диск" (1912) вдохновил немецкий авангард, а позже и американский абстрактный экспрессионизм. На первый взгляд полотно напоминает разноцветную мишень для игры в дартс. Здесь вообще нет аллюзий на физические объекты, будь то космические или еще какие. Объектом художник избрал цвет.
Делоне заворожила теория цвета. И вдохновляли работы французского химика Мишеля Эжена Шевреля, в частности его "Закон синхронности контраста цветов". Шеврель показал, как цвета, соседствующие на цветовом круге, влияют друг на друга. Делоне с ее помощью добавил немного цвета кубизму. Придя к выводу, что реальность нарушила "цветовой закон", Делоне избрал цвет единственным предметом изображения. И попытался создать зрительный образ, испускающий гармонические цветовые волны, – что-то аналогичное музыке. В этом и состояла сверхзадача орфизма, недаром названного в честь легендарного древнегреческого поэта и музыканта. Авангардисты вообще отчетливо ощущали связь музыки с изобразительным искусством.
Это важно иметь в виду для понимания творчества пионеров абстракционизма. Своими красочными росчерками и разводами они не собирались обманывать публику, выдавая умение малевать за высокое искусство, как и не пытались оторваться от реальности, дабы прослыть пророками или мистиками. Нет, они предпочитали сравнивать себя с музыкантами, а свою работу – с партитурой.
Что объясняет причины их перехода к абстракционизму. Ведь музыка, если ее не сопровождает пение или декламация, и есть высшее проявление абстрактного искусства. Рыдание скрипки или рокот барабана способны унести слушателя в воображаемый мир, и для этого вовсе не надо прибегать к визуализации. Слушатель волен фантазировать и интерпретировать смысл музыки. Если она берет за живое, значит, композитор правильно расставил ноты. Ранние примеры абстрактного искусства – что-то в том же духе, разве что вместо нот художники использовали цвет и форму.




Моя любимая, уже гораздо более поздняя картина Делоне "Воздух, железо и вода", 1937 г.
sandy_cat: (Default)
Если десять человек встанут на вершине холма и сфотографируют вид одной и той же камерой, результаты будут практически одинаковые. Если те же десять человек сядут на холме и несколько дней будут писать красками тот же самый вид, получится десять разных картин. И не потому, что кто-то из них окажется более профессиональным художником. Все дело в человеческой природе: мы смотрим на один и тот же пейзаж, но видим его по-разному. Каждый человек привносит в творчество собственный, уникальный набор представлений, опыта, вкуса и знаний, по-своему интерпретируя увиденное. Мы замечаем то, что нам интересно, и закрываем глаза на все остальное. Условно говоря, рисуя двор фермы, кто-то сосредоточится на курах, а кого-то больше заинтересует жена фермера.

Книга написана так просто, что это едва ли не букварь. Но как же мне не хватало чего-то подобного в свое время.



Жорж Сера "Приют и маяк, Онфлер", 1886 г.

Сера - один из четырех столпов постимпрессионизма, в полной мере ответственный за то, как выглядит наш мир сейчас. Знали бы они тогда!
Мне бы особенно хотелось, чтобы Винсент знал. Утешить его.
sandy_cat: (Default)
Современное искусство - это захватывающая тема. Многие вещи я открыла для себя довольно поздно и свою жизнь без них уже не представляю - и хочется узнать, увидеть и почувствовать - и ничего не упустить.

Так что еще пара ссылок, которые кажутся мне весьма интересными и полезными (к вопросу о все той же точке входа, емкое определение):

Почему "рисовать как Шишкин и Айвазовский" сегодня -- плохо?

Книги про то, как понимать искусство, в особенности современное

В 1972 году лондонская галерея Тейт приобрела скульптуру «Эквивалент VIII» американского минималиста Карла Андре. Созданная в 1966 году, она состоит из 120 огнеупорных кирпичей, которые, если следовать инструкциям художника, могут быть сложены в восемь разных форм одинакового объема (отсюда и название «Эквивалент VIII»). Выставленная в галерее в середине 1970-х годов композиция являла собой параллелограмм глубиной в два кирпича.
Ничего особенного в этих кирпичах не было – любой мог приобрести точно такие же по несколько пенсов за штуку. Но галерея Тейт выложила за них более двух тысяч фунтов. Английская пресса как с цепи сорвалась. «Транжирят национальные финансы на груду кирпичей!» – вопили газеты. Даже высокоинтеллектуальный искусствоведческий журнал The Burlington Magazine задался вопросом: «Не сошла ли Тейт с ума?» Всем хотелось знать, с какой стати Тейт так безрассудно тратит государственные деньги на то, что «под силу любому каменщику».

Прошло еще три десятка лет, и Тейт снова потратила деньги британских налогоплательщиков на необычное произведение искусства. На этот раз она решила купить людскую очередь. Впрочем, не совсем так. Не самих людей – в наши дни это противозаконно, – а только очередь. Или, если еще точнее, листок бумаги, на котором изложил свою идею словацкий художник Роман Ондак. Его замысел состоял в том, чтобы нанять нескольких актеров и выстроить их в очередь перед запертой дверью. После расстановки, или, говоря языком галеристов и художников, «инсталляции», актеры должны были обратить свои взоры на дверь и замереть в позе смиренного ожидания. Предполагалось, что это заинтригует прохожих, которые либо присоединятся к очереди (как правило, случается именно так), либо пройдут мимо, недоуменно морща лоб и пытаясь понять, какой художественный смысл ими упущен.
Идея забавна, но искусство ли это? Если каменщику под силу создать аналог «Эквивалента VIII» Карла Андре, то и фальшивую очередь Ондака вполне можно было бы счесть эксцентрической выходкой в духе дурацких розыгрышей. По идее прессе надлежало в этом случае впасть в полнейшую истерику
Но дело ограничилось недовольным ворчанием: ни тебе критики, ни негодования, ни даже двусмысленных заголовков от наиболее остроумных участников таблоидного сообщества – ровным счетом ничего! Единственным откликом на состоявшуюся сделку стала пара одобрительных строчек в одном респектабельном журнале, в рубрике событий в мире искусства. Так что же произошло за эти тридцать лет? Что поменялось? Почему передовое современное искусство, казавшееся поначалу дурацкой шуткой, стало восприниматься не то что с уважением – с пиететом?...




Художник Павел Отдельнов
sandy_cat: (Default)
Чувство неуверенности — вот что влияло на умы и души людей Средневековья и определяло их поведение. Неуверенность в материальной обеспеченности и неуверенность духовная; церковь видела спасение от этой неуверенности, как было показано, лишь в одном: в солидарности членов каждой общественной группы, в предотвращении разрыва связей внутри этих групп вследствие возвышения или падения того или иного из них. Эта лежавшая в основе всего неуверенность в конечном счете была неуверенностью в будущей жизни, блаженство в которой никому не было обещано наверняка и не гарантировалось в полной мере ни добрыми делами, ни благоразумным поведением. Творимые дьяволом опасности погибели казались столь многочисленными, а шансы на спасение столь ничтожными, что страх неизбежно преобладал над надеждой. Францисканский проповедник Бертольд Регенсбургский в XIII в. возвещал, что шансы быть осужденными на вечные муки имеют 100 тыс. человек против одного спасенного, а соотношение этих избранных и проклятых обычно изображалось как маленький отряд Ноя и его спутников в сравнении со всем остальным человечеством, уничтоженным Потопом. Да, именно в природных бедствиях средневековый человек находил образы для выражения и оценки духовных реальностей, и историк имеет основания говорить, что продуктивность умственной деятельности казалась средневековому человечеству такой же низкой, что и продуктивность его сельскохозяйственной деятельности. Итак, ментальность, эмоции, поведение формировались в первую очередь в связи с потребностью в самоуспокоении.

Жак Ле Гофф "Цивилизация средневекового Запада"




Интереснейшая книга. И параллели любопытные можно провести. У них первая волна, у нас третья (по Тоффлеру). Одна надежда на то, что по науке периоды между волнами постепенно сокращаются. И мы еще увидим небо в алмазах.
sandy_cat: (Default)
Все то, что понимаешь интуитивно, но не всегда получается сформулировать. Хорошо написано, с интересными примерами.

Да мой ребенок рисует лучше Малевича и Кандинского! — Неа, не рисует.

Уважаемый читатель спрашивает:
Все это ваше современное искусство, все эти абстракции — полная фигня. Мой 5-летний сын может нарисовать лучше! Почему это вообще называют "искусством"? И с чего вокруг этого развели такой культ?

Отвечаю, почему это мнение ошибочно и вот даже безграмотно.

Итак, почему ваш сын не "может нарисовать лучше".
Сначала первый аспект.

Если вам кажется, что какая-то вещь (произведение искусство) — фигня, совершенно не обязательно, что вы правы.

Помните этот эпизод из фильма "Место встречи изменить нельзя"?
Шарапов сначала играет этюд Шопена f moll, Op. 25 № 2.
На что Промокашка ему говорит:
«Это и я так смогу! А ты "Мурку" сыграй!»
Как вы понимаете, Промокашке этюд Шопена кажется какофонией, потому что он — обладатель определенного (невысокого) культурного уровня, классической музыке не учился, да вообще вряд ли чему учился.

Аналогично,
если вы смотрите на произведение знаменитого художника и говорите "Это и я так смогу!",
вероятность того, что это у вас недостаточно культурного уровня для понимания данной работы намного выше,
чем вероятность того, то это действительно каля-маля.

Уж извините.
В общем, реплика "точно такое же может нарисовать на "раз" любой, даже ребенок, и без художественного образования" — это реплика формата "Да что этот Рахманинов? У нас ребята в гараже лучше играют Кипелова!", "Да разве Бродский — это поэт? Это и я так смогу, у него же рифм нет и вообще мат встречается!" или там "Тарковский это говно, клипы Тимати умнее и ближе к народу".

Помните, что когда вы пишете такое в комментариях или говорите вслух, вы напоминаете означенного Промокашку.

По прочтению комментариев я, кстати, заметила тенденцию — большинство не просто пишет подобное мнение.
Нет, люди этим бравируют, хвастаются, они думают, что оно выделяет их из толпы бездушных обывателей, леммингов, которые, мол, слепо идут на поводу у авторитетов, считая Пикассо и проч. крутым. А я вот, мол, такой думающий, смелый, подумал и решил что это херня.
Да вот нефига, толпа леммингов как раз в большинстве Пикассо НЕ считает крутым и сие озвучивает.
И если действительно хотите выделиться — подумайте, поразмышляйте, произведите расследование и поймите, за что все-таки некоторых художников ХХ века считают гениями.


Они что, нарочно, такие "плохие"? Да!

Расскажите, что такое "современное искусство"? Только в двух словах, пожалуйста

Почему Шилов – плохой художник, а Брюллов – хороший? Они ведь похожи!



Портрет работы Брайана Органа, мне кажется, он сюда подходит
sandy_cat: (Default)
Однажды Диогена спросили, почему он громко хвалил стихи бездарного поэта. Философ ответил: за то, что все-таки пишет стихи, а не разбойничает!

Звучит неожиданно современно.



Ну а кому-то писать стихи удавалось гораздо лучше, чем разбойничать.
sandy_cat: (Default)
Очередная реинкарнация "Красного карлика" напомнила мне о замечательных фильмах Криса Барри, посвященных разнообразной технике, моторам и механизмам. Несколько лет назад я об этом писала, но не грех и повторить.



Почему мне так нравится, как Крис Барри рассказывает о машинах? Да потому что это настоящий "Монти Пайтон" от техники, вот почему. Что не отменяет увлекательности и достоверности.

"Britain's Greatest Machines" - потрясающий документальный сериал, посвященный английской технической революции и различным чудесам инженерии. История машин, которые навсегда изменили мир.

Каждая серия посвящена отдельной эпохе – одному из десятилетий XX века – и представляет собой рассказ о череде войн, открытий, рекордов, гонок, приведших к созданию всего, что только ездило, летало или даже плавало. Это история моторов, ставших подлинными сердцами минувшего века, рассказанная настоящими энтузиастами.




И еще три отличных цикла передач (по десять получасовых серий в каждом) - "Massive Engines", "Massive Machines" и "Massive Speed" – посвященных разнообразным моторам и механизмам, созданным с начала промышленной революции и до наших дней. Это увлекательно, талантливо и смешно. Лично я узнала много нового и о любимой викторианской эпохе, и о начале XX века, не говоря уже о множестве интереснейших технических подробностей. Не хочу сказать, что теперь я так уж хорошо разбираюсь в технике, но определенно больше, чем раньше.



Ну а одной из моих любимых стала серия о дирижаблях.
Я и раньше была уверена, что это круто, но всегда приятно лишний раз убедиться.
Оказывается, дирижабли строят до сих пор, это очень перспективное направление. Планируется даже создание сверхгиганта для перевозки грузов под названием "Небесный Кот". Созданы и милые туристические "котики".

Весьма любопытен был и разбор причин катастрофы "Гинденбурга" - а заодно и возможность увидеть восстановленную копию этого гиганта, посмотреть, как там все было устроено изнутри.

В общем, все интересующиеся – не пропустите, это здорово.
sandy_cat: (Default)
Первый признак начала познания — желание умереть. Эта жизнь кажется невыносимой, другая — недостижимой. Уже не стыдишься, что хочешь умереть; просишь, чтобы тебя перевели из старой камеры, которую ты ненавидишь, в новую, которую ты только еще начнешь ненавидеть. Сказывается тут и остаток веры, что во время пути случайно пройдет по коридору главный, посмотрит на узника и скажет: «Этого не запирайте больше. Я беру его к себе».

***

Не позволяй злу уверить тебя, что у тебя могут быть тайны от него.

***

Леопарды врываются в храм и выпивают до дна содержимое жертвенных сосудов; это повторяется снова и снова, и, в конце концов, это может быть предусмотрено и становится частью обряда.




Игорь Макаревич "Портрет Кафки с кротом на коленях", 1969 г.
sandy_cat: (Default)


Бартоломеус Англикус "О свойствах вещей"; французский перевод Жана Корбешона, 1447 г.
sandy_cat: (Default)
Странное чувство охватывает, когда герои половину серии ищут книгу, а ты с первых минут понимаешь, что это "Крокодил Гена и его друзья".
Оказывается, у японцев даже ремейк мультфильма есть.



Сериал мил и хорош со всех сторон, как ни крути.



И как не проникнуться к героине, с которой согласна целиком и полностью: уничтожить книгу с подлинным автографом Осаму Дадзая – немыслимо, пусть и под угрозой жизни.



Еще из забавного: сериальные японцы весьма аккуратны в выпивке - в отличие от корейцев, которые после дружеской попойки с коллегами непременно возвращались бы домой на бровях, обматерив по дороге важных клиентов. Японце - крайне вдумчивая нация. Ну, по крайней мере, на экране.

Еще раз спасибо [personal profile] bukogolik за приятные впечатления!
sandy_cat: (Default)
Все герои в мире делятся на две категории. Одни спасают мир и сбегают. А другие остаются и убирают за собой.



Это важная мысль. Мне кажется, которые остаются – они гораздо счастливее.

sandy_cat: (Default)
Фантастический роман о нас, наших далеких предках и потомках, которые вполне могут у нас появиться. Современная палеонтология в художественном обличье, история и перспективы возникновения и развития видов – в самом драматическом ключе. Необычайно любопытно!

По ярко освещённому мелководью плыл огромный аммонит.
Этот охотник с морского дна, размером с тракторную шину, выглядел как нечто вроде гигантской улитки с хитроумно изогнутой спиральной раковиной, из которой осторожно высовывались руки и голова. По мере роста он наращивал спиральную структуру своей раковины, постепенно перемещаясь вперёд из одной камеры в следующую; в дальнейшем сообщающиеся и опустевшие камеры использовались для обеспечения плавучести и управления движением.
Аммонит двигался с удивительным изяществом, вертикально поставленная спираль его раковины резала воду, как нож. И он оглядывал окружающий мир большими умными глазами.
Освещённое солнцем море было полно жизни... )
sandy_cat: (Default)
Жизнь – это самоподдерживающаяся химическая система, способная к обновлению и эволюции.

«История Земли» Роберта Хейзена – весьма интересная книга.

Profile

sandy_cat: (Default)
sandy_cat

September 2017

S M T W T F S
     12
34 5 6 7 89
10 11 12 13 14 15 16
17 18 19 20 212223
24252627282930

Syndicate

RSS Atom

Most Popular Tags

Style Credit

Expand Cut Tags

No cut tags
Page generated Sep. 22nd, 2017 04:27 am
Powered by Dreamwidth Studios